這是 1940 年的電影《魂斷藍橋》。

費雯麗和羅伯特·泰勒飾演的男女主角在滑鐵盧橋上邂逅，一見傾心。但在亂世之中，泰勒要上戰(zhàn)場，費雯麗被迫淪為妓女，二人的愛情終以悲劇收場。

這段凄美的故事發(fā)生在這個偏方的畫面比例中。這些老電影的畫面，遠沒有現(xiàn)在的電影那么「寬」。

那么，為什么現(xiàn)在認為「寬幅」更有電影感？電影幕幅是如何變化的？

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在《魂斷藍橋》的年代，拍電影得用膠片。

這是當年常用的一些電影膠片。其中的 35mm 膠片最初由愛迪生實驗室的攝影師威廉·迪克森發(fā)明，目的是搭配愛迪生自己的活動視鏡。

1895 年，盧米埃爾兄弟在活動視鏡的基礎上發(fā)明了電影機，并沿用這種 35mm 膠片，拍攝了世界上第一部電影。之后召開的法國巴黎國際電影會議，正式確定電影膠片尺寸的標準寬度為 35 毫米。

膠片很貴，最好物盡其用。在默片時代，每幅畫面可以頂至膠片兩側齒孔的邊緣，寬高比為 1.33:1，有聲電影出現(xiàn)后，膠片的一側還需要記錄音軌，所以幕幅略微變寬，為 1.37:1。

這就是有聲電影最初的幕幅。它在 1932 年被美國電影藝術與科學學院——也就是頒發(fā)奧斯卡獎的那個組織——定為當時電影的幕幅，因此也被稱為「學院比例」。

這些在 20 世紀三四十年代拍攝的好萊塢電影，基本都是以學院比例拍攝、放映的。

1946 年，好萊塢發(fā)展到頂峰。但很快，電影的對手：電視，開始在美國流行。

電視廠家略微調整了學院比例，就拿來當作了電視熒幕的比例。這么一來，觀眾想看電影也不用去電影院了。而電視里還能看綜藝、體育比賽、演唱會……

好萊塢電影業(yè)因此備受打擊，收入和利潤連續(xù)四年下滑。

于是他們決定，要采用更高大、更寬的銀幕來增加觀影的沉浸感，把觀眾拉回電影院。

1952 年，一部叫做 This is Cinerama 的電影上映。它開場以 1.33:1 的比例介紹了電影發(fā)展史，在講述者說出「This is Cinerama」的臺詞后，畫面瞬間變寬，為觀眾展示了前所未見的沉浸大場面。最終以 4160 萬美元的票房，成為了當年的票房冠軍。

這種技術，就是最早被采用的寬幅技術之一，「Cinerama」。它通過三個鏡頭并列拍攝，得到三個畫面。放映時，再用三臺放映機，把這三幅畫面同時投影到一個特殊設計的弧形屏幕上，把畫面「拼接」在一起，幕幅達到了 2.59:1，總視角可達 146 度左右，幾乎可以包裹住觀眾的視野，所以沉浸感和沖擊力極強。

從此之后，「寬銀幕」開始成為「電影感」的標志之一。

但拍攝 Cinerama 電影需要同時記錄三幅畫面，消耗三倍于普通電影的膠片，還需要大規(guī)模改造電影院，成本極高。

為了控制成本，電影制片廠很快找到了一種更易用、成本更低的拍攝寬銀幕電影的技術：CinemaScope。

1953 年，第一部 CinemaScope 電影《圣袍千秋》上映。20 世紀福斯公司花了 400 多萬美元成本，首輪上映就收獲了 3200 萬美元的票房，也是當年的票房冠軍。

CinemaScope 技術使用一種變形鏡頭拍攝，這種鏡頭中有兩組特殊的柱面透鏡，可以在保持畫面高度不變的情況下，把寬幅畫面橫向壓縮，記錄在 35mm 膠片上。放映時再通過另一種鏡頭將畫面「拉開」，記錄、顯示更多的畫面信息，幕幅可達  2.40:1。

憑借著出色的視覺效果和較低的成本，寬銀幕的 CinemaScope 快速普及。

甚至直到今天，還有人在用 CinemaScope 技術中的特殊變形鏡頭。比如 J·J·艾布拉姆斯在拍攝《星際迷航》時，就利用它特殊的橢圓形光斑和橫向拉絲效果，營造出非?？苹玫男Ч?。 

不過，還有更便宜的獲得寬幅畫面的方式：也就是直接用普通的 35mm 膠片和鏡頭拍攝，在放映時直接把上下畫面遮擋住，讓幕幅達到 1.85:1，這叫做「遮幅」。

和 CinemaScope 相比，這種拍攝和放映方式的清晰度略低，但因為簡單、便宜，所以很快與 2.40:1 的幕幅一起，成為了當時最為流行的電影幕幅，定義了人們對「電影畫面」的認知。

以至于時至今日，絕大多數(shù)電影仍采用 1.85 和 2.40 這兩種幕幅拍攝和放映，所以我們才會認為「寬幅」更有電影感。

不過在常見的 1.85:1 和 2.40:1 外，也有一些另類的幕幅試圖參與競爭。

比如電影《賓虛》，就采用了 70mm 膠片的寬銀幕系統(tǒng) Ultra Panavision 70，搭配特殊的變形鏡頭，幕幅可達 2.76:1，畫面極其震撼。之后昆汀也用這一超寬熒幕系統(tǒng)，拍攝了電影《八惡人》。

但 70mm 膠片實在太貴，攝影機的使用也非常復雜，所以一共只用十來部電影用過這一幕幅。

除了更「寬」外，還出現(xiàn)了更「大」的幕幅：1.43:1，也就是今天我們所熟知的 70mm 膠片 IMAX。它實際上是把 65mm 膠片「橫放」過來，讓畫面擁有更高的高度，讓每一幀畫面的達到原本 65mm 膠片的三倍。

但這也很貴。所以 IMAX 最初只用于拍攝自然風光紀錄片和教育片，直到諾蘭在 2008 年拍攝《蝙蝠俠：黑暗騎士》時，它才第一次被正式用于商業(yè)影片。

從電影發(fā)展史上來看，膠片時代的幕幅變化，主要受商業(yè)和技術因素的推動，希望在拍攝成本和視覺體驗間做平衡。要在成本可控的情況下，用寬幅創(chuàng)造獨特的視覺奇觀，把觀眾拉進電影院。

而到了數(shù)字時代的今天，電影的幕幅已經(jīng)擺脫了膠片尺寸的限制，改變幕幅非常容易。所以「幕幅」更多地參與到電影敘事和藝術創(chuàng)作中，成為了創(chuàng)作者的一個特殊「工具」。

比如 2017 年的《鬼魅浮生》就選用了無聲電影時代的 1.33:1 幕幅，因為這部電影講述的是一個人永遠被困在房間里的故事，導演認為 1.33:1 的畫面就像一個盒子，可以加強情景幽閉、壓抑、恐懼的感覺。

馮小剛甚至在《我不是潘金蓮》中，直接用了圓形幕幅。

有些導演還會在電影中改變幕幅，來傳遞信息。比如賈樟柯的《山河故人》和韋斯·安德森《布達佩斯大飯店》中，都用不同的幕幅來暗示不同時間段發(fā)生的故事。

2014 年的電影《媽咪》則用幕幅變化，來表達主人公內心豐富的情感變化。影片中大量畫面用了罕見的 1:1 比例拍攝，這是因為處于青春期的主人公和媽媽的關系很差，方方正正的畫面能給人帶來極為壓抑、緊張的感覺，像極了如今家長雞娃的場景。

等到主人公獲得「自由」時，則會伸開雙臂，手動「拉寬」畫面，讓觀眾在視覺層面感受到主角放松的心境。

合理利用幕幅變化，能巧妙地給觀眾暗示、傳遞一些信息，讓電影變得更有趣味和深度，回味無窮。不過，也不是所有的導演都這么講究：

比如邁克爾·貝在拍攝《變形金剛 5》時，就用了好幾臺不同型號的攝影機拍攝，導致同一個場景，鏡頭一切換，畫面幕幅也變了。整體觀感就像他的爆炸場面那樣，亂到窒息。